Web de José Luis Subtil, re-diseñada

He incorporado nuevos contenidos y diseños a mi web:


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Espero que os guste!

José Luis Subtil: conciertos en acústico - Febrero 2011 -

- El Rincón del Arte Nuevo: 6 de febrero, 21:30 h. C/ Segovia, 17 (Madrid).

Más información en José Luis Subtil Web

José Luis Subtil: conciertos en acústico - Enero 2011 -

- Domingo, 9 de enero: El Rincón del Arte Nuevo, C/ Segovia, 17 (Madrid). 21:30 h. Entradas 7  € (refresco o cerveza incluidos); 9 € (copa).

- Domingo 16 de enero: Café Galdós, C/ Los Madrazo, 10 (Madrid). 20:00 h. Entradas 6 € (consumición incluida).


Más información en José Luis Subtil Web

Os espero!!

Un plan de última hora

Hemos decidido quedarnos un día más en Valencia. Un hotel frente al mar y un tiempo espléndido para caminar por el paseo marítimo.

Valencia-Paterna-Xátiva

Día de no parar. Recogimos a unas amigas de Ichu en Paterna y luego en Valencia. Tras la comida en La Pepica, un agradable paseo por la playa de la Malvarrosa. Al atardecer camino a Xátiva donde hemos admirado la Seu y sus impresionantes calles del casco antiguo. Buena cena con ensaladita y pescado al horno.
El hotel es como el oasis al final del día.

Tarde lluviosa

El tiempo no acompaña y nos hemos tenido que quedar en el hotel: mañana veremos el mar. Ah, y tenemos reserva en La Pepica.

Pequeñas vacaciones en Valencia

Acabamos de llegar a Valencia. El hotel es muy bonito. Buscaremos un sitio para comer y luego una siestita. La Malvarrosa nos espera.

Treinta aniversario del asesinato de John Lennon - Love PEACE

Un pequeño homenaje, hoy, que hace treinta años exactos que nos arrebataron a John Lennon, dejando este mundo más triste y frío que nunca:

Las horas (2002)

 Las horas (2002): Un día en la vida de tres mujeres; tres mujeres que viven en lugares y momentos diferentes, aunque con ciertos paralelismos en su transcurrir vital; un solo día de toda una vida, pero vaya día... Las horas fue realizada en 2002 por Stephen Daldry, exitoso director teatral que se atrevió a filmar este guión sobre una compleja novela escrita por Michael Cunningham. La escritora Virginia Woolf (una casi irreconocible Nicole Kidman, quien ganó un Oscar por su extraordinario trabajo en esta película) y el episodio, posiblemente inventado, sobre cómo ideó la trama de su famosa novela La señora Dalloway; una madre y esposa en la Norteamérica de los años 50 (magnífica Julianne Moore); y, por último, una mujer de nuestro tiempo (la siempre extraordinaria Meryl Streep), liberal, editora de profesión, con una juventud a sus espaldas de lo más movidita, y que intenta con todas sus fuerzas no naufragar en una existencia que cada vez se le hace más y más absurda. ¿El resultado de todas estas tramas que transcurren entrecruzándose y entrelazándose?: Tres actrices en estado de gracia y una de las películas más destacadas de los últimos años.

Actuaciones en acústico: nuevas fechas

Actuaciones en formato acústico, nuevas fechas:

- 02 de diciembre de 2010 en El Rincón del Arte Nuevo (Madrid, C/ Segovia, 17)

- 16 de enero de 2011 en el Café Galdós (Madrid, C/ Los Madrazo, 10)

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Os espero!

Actuación en sala Zanzibar, Madrid: miércoles 3 de noviembre, 21:30 h.

Miércoles 3 de noviembre: Actuación en formato acústico: Sala Zanzibar, C/ Regueros, 9, Madrid (metros Chueca, Alonso Martínez). 21:30 h. Entrada 7 € (consumición incluida).

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Os espero a tod@s!

Tootsie (1982)

Tootsie (1982): Dirigida en 1982 por Sidney Pollack, Tootsie es sin duda una de las comedias más divertidas de los 80. Protagonizada por Dustin Hoffman, éste y Pollack se sacaron de la manga una creación sorprendente, que iba más allá del socorrido recurso supuestamente jocoso de vestir a un hombre de mujer. El argumento: un actor en paro, Michael Dorsey (interpretado magistralmente por Dustin Hoffman), lleva años sin ser capaz de estrenar ni una sola obra de teatro por culpa de su conflictiva personalidad, lo que le lleva a tener un sinfín de trifulcas con el mundillo de la farándula neoyorkina. Su esforzado agente (interpretado por el propio Sidney Pollack) le consigue, un poco por pena, un poco por amistad, audiciones de todo tipo, incluso para hacer de tomate en un anuncio publicitario, pero Michael no es capaz de mantener su boca callada ni siquiera en estos trabajos de supervivencia. Como consecuencia de ello se gana a pulso una merecida reputación de individuo intratable lo que hace que le veten para trabajar como actor en prácticamente todo el estado de New York. Mientras tanto, Michael se dedica a salir adelante dando clases de arte dramático (lo que le llevará a tener un extraño affaire con una de sus alumnas -desternillante Teri Garr-), trabajar como camarero en algún restaurante de la ciudad, conseguir dinero para poder montar la obra de teatro que está escribiendo su compañero de piso (Bill Murray, etapa pre-cazafantasmas), sobre la que discutirá agriamente con su agente, decidiendo si es interesante o no para el público ver cómo una pareja regresa al canal del amor, rodeados de residuos químicos (algo que según el personaje de Pollack, la gente ya puede ver en New Jersey....).

La oportunidad de trabajar surge cuando se entera de que hay un papel vacante para interpretar un personaje en un típico serial de TV ambientado en un hospital (tipo Hospital Central o Urgencias), pero hay un problema: el personaje es femenino. Lejos de arredrarse, Michael decide presentarse al casting caracterizado como una mujer con los ovarios bien puestos, una actriz de carácter, Dorothy Michaels. Todos en el set quedan cautivados por su personalidad, con lo que consigue el papel inmediatamente, para asombro del propio Michael. El engaño funciona y todo parece ir sobre ruedas, pero las cosas se complican. Tootsie, que será el apodo que le pondrá el director de la serie (Dabney Coleman) a Dorothy, se convierte de la noche a la mañana en todo un fenomeno social por su arrolladora personalidad y su (involuntaria) defensa de los valores de la mujer en la sociedad de los 80 frente al omnipresente e imperante machismo. Todas las mujeres de América (léase, EE.UU.) ven en Dorothy y el personaje que interpreta en el serial televisivo, a todo un icono de lo que debe ser la mujer moderna.

A todo esto se le une el hecho de que Michael, siempre disfrazado de Dorothy Michaels, se enamora perdidamente de una de sus compañeras de reparto, Julie, (adorable Jessica Lange). El juego de galanteos entre él, ella, el padre de Julie y otro de los actores de la serie, que se enamorarán a su vez de Dorothy, junto al inefable desenlace, hacen de esta comedia uno de los más deliciosos y divertidos guiones producidos por Hollywood en los últimos 30 años.

Algunos discos importantes en mi vida (II): 'Rubber Soul' (1965) - The Beatles

Se suele dividir, a grandes rasgos, la vida artística y, por tanto, la obra discográfica de los Beatles en tres períodos, más o menos distinguibles:

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  El primero sería el que comprende sus comienzos en el show business en locales de alterne y garitos de mala muerte en Hamburgo, a finales de los 50, hasta el año 59-60 en que tuvieron que regresar precipitadamente tras descubrir las autoridades alemanas que George Harrison era menor de edad (con lo que no podía permanecer en Alemania como trabajador e inmigrante). Estos primeros Beatles serían, según John Lennon, los más valiosos en cuanto a aptitudes musicales. Como apenas queda constancia documental o fonográfica de aquel momento, excepto un disco que grabaron como grupo acompañante junto al cantante Toni Sheridan (entre otros temas, grabaron una trepidante versión de la popular My Bonnie), jamás podremos saber si Lennon tenía razón o no. Lo que sí es seguro es que durante aquel periodo de tiempo se curtieron lo suyo como banda (y quizá como seres humanos....).
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  El segundo periodo comenzaría con su desembarco en la discográfica EMI en el año 1962, como grupo rockero, más o menos light, imitador de Elvis, Roy Orbison, Eddie Cochran, Chuck Berry, etc., etc.. Este período finalizaría aproximadamente en el año 1965, con la publicación del disco Help, donde empezarían a encontrar su propio sonido y como consecuencia de ello, su propia voz.
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  Y el tercer periodo, quizá el más interesante desde el punto de vista creativo, musical y, como no, socio-cultural, sería el que se iniciaría con la publicación del disco Rubber Soul, también de 1965, hasta la disolución del grupo, cuatro años después.

Este LP no sólo marcaría la senda por la que discurriría la carrera artística posterior del cuarteto, sino que, además, serviría de inspiración e influencia notable para toda una generación de músicos que tomaron esta obra como la quintaesencia paradigmática de lo que debía ser un disco pop, verbigracia: la contestación de Brian Wilson a este disco fue nada más y nada menos, que el Pet Sounds de su banda, The Beach Boys, publicado en 1966 (que pasa por ser, siempre según los críticos y las enciclopedias clásicas de música moderna, el mejor disco de pop jamás publicado!). Brian Wilson siempre ha afirmado que cuando escuchó por primera vez Rubber Soul, le gustó tanto y le causó tal efecto, que su obsesión primera desde aquel momento fue componer el Disco de los Discos Pop. La verdad es que el bueno de Brian no tenía mal gusto.

Rubber Soul es uno de los discos de los Fab Four más aclamados por sus fans, incluso varios puntos por encima del tan cacareado Sargent Pepper, publicado dos años después, en plena etapa de experimentación en el estudio por parte del grupo. A menudo es citado en las listas de mejores álbumes de rock de la historia.

Con Rubber Soul el cuarteto de Liverpool comenzó a ordenar sus ideas, preocupándose más por el estilo y los arreglos de los temas (también comenzarían una cierta experimentación en el estudio que más tarde desarrollarían hasta niveles impensables en aquella época en la grabación del antes mencionado Sgt. Pepper) abandonando las versiones de otros músicos (Rubber... fue el primer disco del grupo en el que no se incluyó ningún cover de sus artistas favoritos: recordemos que desde el primer LP, el famoso Please, Please me, hasta Help, los Beatles siempre habían incluido en todos sus discos diversas versiones de sus héroes musicales; desde Chains, del combo Carole King/Gerry Goffin, incluida en el mencionado Please, Please me, hasta una versión del clásico country Act Naturally, cantada con cierta gracia desafinada por Ringo). El grupo, y su principal fuerza creativa, Lennon/McCartney, comenzó a escribir canciones y a grabarlas siguiendo conceptos estilísticos y temáticos que conformarían un todo, una idea central. El resultado final de esta manera de trabajar dio como resultado lo que a partir de aquel momento sería conocido en el mundo del pop-rock como álbum conceptual.

El LP fue grabado en tan sólo cuatro semanas, siendo publicado en diciembre de 1965, para aprovechar el mercado navideño. Contiene joyas que son ya clásicos en el repertorio de la banda: Drive my car, Norwegian Wood (this bird has flown), en la que George Harrison tocaba el sitar (un instrumento folclórico hindú similar a una guitarra, aunque bastante más complejo de tocar), Nowhere man, Michelle, Girl, In my life... Se percibió un cambio en la temática de muchas de las canciones, abandonando, en parte, el asunto amoroso muy presente hasta entonces en los discos de la banda (And I love her, She loves you, All my loving, etc.). Los Beatles estaban madurando y sus intereses, como era natural, también. John, que probablemente fue el que más evolucionó en sus composiciones en este disco (suyas son, casi al 99%, las mencionadas Norwegian wood, Nowhere man, esta última, una velada crítica social, poco frecuente en canciones pop al uso en aquella época), incluso se permitía el lujo de escribir una canción de amor (In my life), pero desde una perspectiva más colectiva, de agradecimiento al entorno, familia y amigos, que habrían ayudado en el pasado para así poder decirle, ya en el presente, a su pareja que ella era la persona más importante en su vida.

La portada es ya un icono del diseño del siglo XX, lo que hace aún más curiosa su concepción, puesto que los Beatles decidieron que querían ese efecto de ojo de pez, con el que sus rostros aparecen distorsionados, tras una presentación que les hizo su fotógrafo oficial por aquella época, Mr. Robert Freeman, donde, por accidente, la pantalla donde estaban proyectando fotografías para decidir cuál iría en la portada del album se cayó hacia atrás. El efecto de alargamiento de la imagen les gustó tanto que le pidieron al fotógrafo que les diseñara la portada del disco de esa manera. Por otra parte, el diseño de las letras utilizadas para escribir 'Rubber soul' (por cierto, ya eran tan famosos que no les hacía falta que apareciera 'The Beatles' en la portada...!) corrió a cargo de Charles Front, diseño que posteriormente sería imitado hasta la saciedad, como simbolo de modernidad en la época del Flower Power.

En definitiva, un gran LP, totalmente atemporal, como prácticamente toda la obra de los Beatles, repleto de clásicos, que merece ser escuchado, si aún no lo has hecho ya, lo que sería una lástima.

Asignatura pendiente (1977)

Asignatura pendiente (1977): Un acertado, divertido y, al mismo tiempo, amargo retrato de los comienzos de la  transición en España. Con el trasfondo de la muerte de Franco, un hombre y una mujer que fueron novios en su adolescencia se reencuentran y van a la busca del tiempo perdido. Él (Pepe Sacristán) es abogado, rojo para más señas, defendiendo causas perdidas de sindicalistas ilegales y demás, está casado infelizmente (la mujer está interpretada por una joven Silvia Tortosa) y tiene un hijo. Ella (Fiorella Faltoyano) es ama de casa, casada con un aburrido economista y con dos hijas en su haber.
La película intenta ser reflejo de una época muy determinada y, sobre todo, la foto de una parte de la sociedad española que nació en la postguerra, creció en los 60 y aprendió a hacerse adulta en los 70, con los traumas propios de toda una generación de españoles y ese sentimiento de llegar a todo tarde del que tanto adoleció. El film quizá haya envejecido un poco mal, pero no creo que la intención de José Luis Garci fuera perdurar en el tiempo, sino dejar constancia de lo que se sentía en aquella época, con los profundos cambios socio-políticos que se avecinaban y que al mismo tiempo convivían con los cambios personales que la gente de su generación estaba experimentando. El guión se nota que está profundamente trabajado y los personajes son absolutamente deliciosos (impagable ese Antonio Gamero, como Trotsky).
Muy recomendable.

Una canción del pasado (2004)

Una canción del pasado (2004): Una película curiosa, extraña, una rara avis, aunque con algunos clichés inevitables, propios del cine norteamericano. Aún así, la historia de estos tres personajes te mantiene atento a la pantalla. Un ex-profesor de literatura (John Travolta) que conoció tiempos mejores y que ahora se dedica a beber, filosofar, soltar citas literarias para que los demás adivinen la autoría de las mismas, tocar la guitarra para los amigos....; un escritor fracasado (Gabriel Macht) que, por circunstancias del azar, acabó siguiendo al ex-profesor de literatura que admiraba cuando era estudiante en la universidad y ahora se dedica a no-escribirle una biografía que, sólo en su ebria imaginación, será la sensación del siglo y les permitirá irse a París a vivir de las rentas; una adolescente (Scarlett Johansson) que abandonó a su familia (monoparental para más señas: la madre, cuya muerte es el hecho que da comienzo a la historia, es el omni-presente, pero al mismo tiempo ausente, personaje sobre el que giran todos los demás en la película), de paso, y ya que estamos, también abandona el colegio, y por último a su haragán novio, para acabar viviendo con el ex-profesor alcohólico y el escritor fracasado en la misma casa que acaba de heredar de su madre. El profesor y el escritor, amigos, y quizá algo más, de la difunta madre de la chica, han aprovechado esa relación para estar de ocupas en una casa con enormes columnas de libros apiladas en los rincones y con la nevera más vacía del estado de Luisiana. Los tres no empiezan con buen pie su convivencia, pero poco a poco, las cosas van cambiando.
New Orleans de fondo, como espectador, y no precisamente mudo: la música está presente durante toda la historia, una banda sonora excelente, por cierto. La amalgama de exóticos personajes secundarios que entran y salen completan la acción y nos van aclarando muchas cosas.
En definitiva, y como he leído por ahí en alguna crítica bastante acertada, una anti-road-movie (porque aquí no se mueve nadie, por lo menos no físicamente) que trata sobre las vidas que en algún momento se atascan, por el motivo que sea, y que se regodean en ese atasco, descubriendo que quizá la felicidad en la vida "compensa en altura lo que escatima en longitud" (paráfrasis sobre una cita de Robert Frost).
A destacar: el trío protagonista formado por John Travolta, Scarlett Johansson y Gabriel Macht consigue una química realmente sorprendente.
Conclusión: un film no apto para todos los públicos (sobre todo para aquellos que suelen calificar este tipo de películas como lentas), pero que al resto de almas sensibles puede aprovecharles, en cierta manera. A mí, por lo menos, me ha gustado. Seré un alma sensible...

Algunos discos importantes en mi vida (I): 'Born to run' (1975) - Bruce Springsteen

Born to Run (1975) - Bruce Springsteen

Corría el año 1975 y los Estados Unidos de América se despertaban de un sueño que había derivado en pesadilla: el escándalo Watergate, la guerra del Vietnam, que ya tocaba a su fin con un ejército norteamericano derrotado y hundido física y moralmente, la crisis del petróleo del 73... The dream is over, cantaba John Lennon en aquel disco que el ex-Beatle vomitó en el 70, 'Plastic Ono Band', a modo de confesión personal; sin embargo, al mismo tiempo, esas palabras también parecían trascender de lo particular a lo colectivo, puesto que premonizaban lo que se avecinaba en los 70. Todos aquellos que habían creído en el verano del amor, poniendo flores en las bocas de los cañones de los fusiles, veían cómo todo aquello de lo que habían hablado, filosofado y presumido se venía poco a poco abajo. Si los 60 habían sido todo felicidad, sexo, drogas y rock&roll, los 70 pintaban mal, muy mal... Los hippys se habían hecho adultos y ahora tocaba crecer, reinventarse, quizá trabajar y convertirse en un vulgar burgués...

Con semejante maremagnum sociológico de trasfondo, Bruce Springsteen escribió su disco más celebrado y adorado por fans y no fans: 'Born to Run'. Tenía tan sólo 24 años (cuesta creerlo, ¿verdad?), aunque no era ni mucho menos un artista debutante: se había estado ganando la vida como músico desde finales de los 60 y ya contaba con dos discos a sus espaldas, dos trabajos -'Greetings from Asbury Park, NJ' (1971) y 'The Wild, the Innocent and the E Street Shuffle' (1973)- que habían pasado totalmente inadvertidos para el gran público, aunque, eso sí, con muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. El problema del joven Springsteen era que sus canciones eran demasiado largas para radiarlas en las FM; las letras eran abigarrados frescos que describían un extraño sub-universo repleto de seres insólitos, sacados directamente de la fauna y la flora que poblaban por aquel entonces Asbury Park, el ecosistema natural del músico en New Jersey, de donde era oriundo. Todo ello hacía que su música, su obra, no fuera especialmente bien acogida, hasta el momento, por el común de los mortales. La CBS, la discográfica con la que tenía contrato, le había promocionado como el Bob Dylan de los 70, el nuevo bardo que la sociedad americana necesitaba escuchar. La sociedad americana hizo oídos sordos, por supuesto; estaban a otros asuntos más importantes como, por ejemplo, sobrevivir. Y es que no era el momento de Bruce. Todavía....

Cuando se enfrentó a la composición de 'Born to Run' sabía que aquella oportunidad, la 3ª, era probablemente la última que iba a tener para convertirse en una estrella. Si este disco no triunfaba, podía ir recogiendo los bártulos e irse con la música a otra parte porque la discográfica muy probablemente ya no le iba a dar más chance. Tendría que empezar de cero y, quizá, replantearse su futuro como músico. Pero lejos de arredrarse, tomó el toro por los cuernos y se sacó de la manga 8 canciones, como 8 cañonazos llenos de rabia, que pasarían a formar parte de su repertorio más amado. Para ello, el joven Springsteen se encerró en su casita próxima a la calle E, y con la ayuda de un viejo piano se dedicó a rellenar toneladas de cuadernos, reescribiendo las letras de las canciones una y otra vez, de manera obsesivamente perfeccionista.

Sin embargo, el proceso de parto de los temas no acabó ahí: según parece, en las sesiones de grabación del disco, Bruce torturó a su E Street Band con decenas de takes buscando el 'más difícil todavía', el sonido perfecto. En cuanto los músicos terminaban de grabar un tema se podía oír a Springsteen a través de los auriculares pronunciar las temidas palabras: 'Otra vez'. Bruce Springsteen era un joven muy exigente y si se trataba de su obra mucho más. Las labores de producción corrieron a cargo del propio Springsteen, el crítico musical Jon Landau, amigo personal del músico y que, con el tiempo, acabaría convirtiéndose en una gran influencia artística y en su productor habitual, y Mike Appel, hasta ese momento manager del músico y que también había producido los dos primeros discos de Bruce. Appel asumió las tareas de producción no sin algunos problemas, debido quizá a ese reparto de papeles entre 3 personas tan diferentes. Posteriormente la relación de Springsteen con Appel se vio resentida debido a una amarga contienda legal por la obra del músico que se prolongaría hasta 1978.

Los músicos que participaron en el disco ya habían colaborado con Springsteen en sus dos primeros LPs. Otros músicos se incorporaron en aquel momento para no irse jamás, convirtiéndose en imprescindibles: Max Weinberg, el magnífico batería de la formación, o Roy Bittan, excelente pianista, que supo reflejar e interpretar las ideas de Springsteen como nadie, sin ir más lejos. La gran mayoría de ellos conformaban lo que sería luego el núcleo duro de su mítica E Street Band: Garry Tallent al bajo, Danny Federici a los teclados, acordeón y algunos vientos, Clarence (Big Man) Clemmons al saxo, Steve van Zandt (Little Steve) a las guitarras... Los músicos David Sancious (magnífico organista) y Ernest Carter (excelente batería de influencias jazzeras) participaron en la grabación de algunos temas como el mítico 'Born to Run' que daba nombre al disco.

Finalmente, 'Born to Run' fue publicado el 25 de agosto de 1975 y fue aclamado por entonces como el mejor album de Springsteen, con un magnífico éxito de ventas (alcanzó el nº 3 de álbumes más vendidos y estuvo 2 años entre los 100 discos más vendidos). Supuso la consagración de Bruce y dejó bien a las claras qué clase de músico era, qué venía a hacer y a contar y lo que se proponía a partir de ese momento. El sonido de 'Born to Run' marcaría sin lugar a dudas el estilo del músico en los años venideros.

En la magnífica reedición del disco que se publicó en 2005, Born To Run 30th Anniversary Boxset, para conmemorar el 30 aniversario del mismo, hay un estupendo reportaje, 'Wings For Wheels', en el que se citan multitud de anécdotas sobre la composición y grabación de las canciones. A mí, como escritor de canciones en ciernes, quizá lo que más me llama la atención sea el hecho de que Bruce compusiera todas las canciones al piano, lo que da a los temas un aire distinto a si se hubieran compuesto con la guitarra (de hecho, todas las canciones comenzaban con una pequeña introducción, como una fanfarria que ponía en alerta al oyente sobre lo que venía a continuación).

Descubrí este disco gracias a un buen amigo. Curiosamente, yo llevaba años escuchando otros discos de Springsteen, pero nunca me había acercado a este 'Born to Run'. Huelga decir que cuando lo escuché por primera vez, me di cuenta enseguida de lo que me había estaba perdiendo hasta entonces y de que estaba asistiendo a algo realmente grande, la Master piece de un músico en estado de gracia. Como anécdota contaré que yo por aquel entonces estaba dando mis primeros pasos a la guitarra. Mi amigo tenía un libro con tablaturas de las canciones de Springsteen; me lo fotocopié enterito, pero las canciones que primero me aprendí fueron las del 'Born to Run'. Durante algún tiempo, para practicar a la guitarra yo tocaba las canciones del disco, me lo sabía entero, de cabo a rabo, palabra por palabra, acorde tras acorde. Tal era la impresión que me había causado.

¿Canciones favoritas? Difícil escoger una... Thunder Road es preciosa, romántica, llena de amargura, pero también de optimismo; Tenth Avenue Freeze Out tiene una sección de viento y un ritmo de guitarra que me vuelven loco; Night es endiablada, proteica, enérgica, emocionante (ésta me encanta tocarla a la guitarra); Backstreets me hacía casi llorar, era como ese despertar del que hablabla al principio de esta entrada, el despertar de un bonito sueño para darse de bruces con la amarga realidad; Born to Run... ¿qué decir de este tema? Fue escogido hace unos años como el tema más perfecto de Rock jamás compuesto y grabado; She's the one, una canción de amor, pero también de pasión lujuriosa; Meeting Across the River, hipnótica puesta en escena de un trapicheo chungo entre dos yonkis y un posible negocio de drogas que podría retirarles de por vida (o de la vida, si las cosas salieran mal...); Jungleland, épica, brutal, con uno de los solos de saxofón más espectacular que jamás se hayan escuchado en un disco de Rock.

'Born to Run' es el DISCO con mayúsculas de Bruce Springsteen, la obra que le puso en su lugar, el lugar que merecía y en el que aún permanece después de tantos años. Es también el disco de muchísima gente en el mundo: muchos se han hecho fans incondicionales de Springsteen gracias a este puñado de canciones. En mi caso personal, tan sólo diré que si tuviera que elegir un solo disco para irme a una isla desierta, seguramente escogería éste. Me ha acompañado durante años, en cientos de aventuras y en cientos de lugares, en compañía o a solas. Tiene tanta fuerza que es casi imposible no emocionarse ante su descubrimiento. Si aún no lo has escuchado, tienes suerte de poder disfrutarlo y gozarlo por primera vez. Te animo a que lo descubras tú también: seguro que no te decepciona.

Visita a la exposición 'Turner y los maestros' en el museo del Prado

Un plan totalmente improvisado de la noche a la mañana; ayer, a última hora, decidimos ir de culturetas y visitar hoy la exposición de 'Turner y los maestros' en el museo del Prado.

Un poco de madrugón y bajada a Madrid en coche, como unos señores. Después de dar alguna vuelta alrededor del museo, vemos que lo mejor es dejar el vehículo en el parking de Las Cortes, confiando en que Sus Señorías cuidarán de él.

Llegamos un poco antes de las 11 de la mañana, justo para el turno de esa hora, con lo que sólo tenemos que esperar unos minutillos. La exposición está muy bien estructurada y presentada al público; se ofrece una visión de la obra de Turner comparándola con aquellos artistas en los que se inspiraba, de los que aprendió su técnica o, simplemente, rivalizaba. Comprobamos que Mr. Turner era ambicioso, buena cualidad para un artista, y un pelín chulesco, puesto que no se arredraba ante nada ni nadie y lo mismo se atrevía con una marina que con una escena familiar. Eso, of course, no obstaba para que luego la crítica le pusiera a parir, lo que ocurría pocas veces, todo hay que decirlo.

Obras de pintores como Rembrandt, Rubens, Ruisdael o Claudio de Lorena fueron inspiración e influencia para Turner y esta exposición es una magnífica oportunidad para comparar sus obras más representativas. También se muestran las obras de los pintores coetáneos del artista: David Wilkie (con quien rivalizaba fieramente), John Constable o Thomas Girtin (gran amigo de juventud de Turner).

En definitiva, una exposición que es una auténtica delicia: 100% recomendable.

Paseo por la ciudad en agosto

Madrid está desierto. La gente apura sus días de vacaciones y el tiempo parece habernos dado un respiro a los que nos hemos quedado en la ciudad.
Esta tarde he aprovechado para dar un buen paseo. Ahora, cenita en Vips y luego vuelta a casa. Un buen libro de Soledad Puértolas me aguarda: Compañeras de viaje.

Noche de cine palomitas: Airbender

Tenemos entradas para Airbender, la última peli de Shyamalan. Las críticas no han sido muy buenas con ella, así que nos tememos lo peor. Juzgaremos por nosotros mismos.

Una pequeña escapada a El Álamo

Huímos de Madrid por un par de días, en este fin de semana en el que todo el mundo parece echarse a la carretera y dejar vacías las ciudades. El Álamo nos espera.