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lunes, septiembre 24, 2012

The Swell Season (documental)


En 2011, cuatro años después del inesperado éxito mundial de Once, el dúo formado por Marketa Irglova y Glen Hansard, The Swell Season, se encuentra de gira internacional presentando los temas de su nuevo disco, Strict Joy. Alguien tiene la brillante idea de filmar el tour y de paso, las reflexiones de sus protagonistas sobre la música, el éxito, el amor, las relaciones de pareja, la familia... Y sobre todo qué hacer con el resto de tu vida cuando todo aquello que habías soñado de repente se hace realidad, como le ocurre al amigo Hansard, tal y como le espeta, un poco a mala uva, una fan tras un concierto.

He leído en alguna parte que este precioso, emotivo, a veces desasosegante, documental se puede considerar como la cara B de Once. No sé si es una manera un poco facilona de definir este trabajo. Aquello era ficción, más o menos, y este The Swell Season es la vida misma, pura y dura: desde la fobia que siente Marketa Irglova a que los fans quieran hacerse fotos con ella como si fuera una celebrity, algo que detesta, hasta la presentación de la curiosa familia de Glen Hansard, con esa madre medio filósofa y un padre ex-boxeador y alcohólico empedernido. En Once había romanticismo a raudales y aquí los gestos románticos se muestran bastante más prosaicos, más teñidos de cruda realidad, el día a día en la vida de una pareja de músicos que intentan explorar su relación, al mismo tiempo que tratan de entender y asimilar el monumental lío en que se han convertido sus vidas. Y es que, por lo que parece, el éxito brutal puede ser un arma de doble filo: si no eres capaz de gestionarlo como es debido puede convertirte en un auténtico gilipollas.

Por supuesto, la banda sonora es excepcional, casi toda extractos de las actuaciones del dúo, en su gira por teatros y salas de medio mundo. Una gozada la pasión en la desgarradora voz de Hansard y la sensible fragilidad en las composiciones e interpretaciones de Irglova.

Si te gustó Once, si eres fan de The Swell Season, o si simplemente te gusta la buena música y tienes curiosidad por conocer las preocupaciones y cavilaciones de los artistas que se topan de bruces con el éxito masivo, no debes perderte este trabajo. Ideal para soñadores de quimeras (con perdón de la Casa Real) que pueden hacerse realidad.

domingo, junio 17, 2012

Metro Bistró - Hopper - Pablo Moro

Día gastro-cultural-musical: primero comida en el magnífico restaurante Metro Bistró, muy recomendable no sólo por los platos, que están espectaculares (croquetas, steak tartare, hamburguesa, perla negra -risotto con chipirones rellenos y una salsa riquísima-), sino por el servicio, atento y amable, con una explicación pormenorizada de cada uno de los platos, lo cual se agradece.

Luego para hacer tiempo antes de la exposición, unos refrescos en el Art Decó, cerca del Congreso de los Diputados, que merecerá una visita más adelante con el estómago más vacío y el tiempo suficiente. Ya en el Thyssen, recorrido boquiabiertos y ojipláticos por los cuadros de Edward Hopper, el pintor de la soledad. Obras maravillosas, con un estilo totalmente reconocible e icónico.

Por último, recital de Pablo Moro en el Buho Real. Buen letrista, buen intérprete: todo un lujo por muy poco dinero.

Quién puede pedir más? Yo mismo: mañana, concierto en el Bernabéu con Bruce Springsteen & the E Street Band!!

sábado, noviembre 05, 2011

Música para días lluviosos de otoño

Día lluvioso, nublado, ideal para quedarse en casita, asomado a la ventana y, a través del vidrio mojado sobre el que escribir el nombre de quien más os guste-inspire-enamore-subyugue, escuchar alguno de estos discos:

- Carole King - Tapestry

- Dire Straits - Making Movies

- Wilco - Sky Blue Sky

- Quique González - Kamikazes enamorados

- Neil Young - After the Gold Rush

- The Cure - Disintegration

- Jean Michel Jarre - Equinoxe

- William Ackerman - Conferring with the Moon

- Ryan Adams - Heartbreaker

- Love of Lesbian - 1999

- Leonard Cohen - The Essential

- The Frames - The Cost

- The Swell Season - Strict Joy

- Chet Baker - Songs for lovers

Etc, etc, etc.... Se admiten más sugerencias.

miércoles, octubre 19, 2011

Nuevos discos de Rebeca Jiménez, Pedro Guerra y Los Secretos

Pues sí señor, ayer fue mi cumpleaños! Ya estamos ahí, al borde de los 40! Cayeron varios regalitos y, entre ellos, los últimos discos de Rebequita Jiménez, Pedro Guerra y Los Secretos. Ya iré comentando por aquí, pero lo poco que he podido escuchar me ha encantado!

sábado, octubre 15, 2011

Algunos discos que he estado escuchando últimamente

Nerina Pallot - Fires: Nerina Pallot, totalmente desconocida en nuestro país (yo la descubrí gracias al excelente blog 'Exquisiteces'), es una compositora e intérprete británica que desde hace algo más de 10 años viene sosteniendo una carrera coherente y luchadora. Este 'Fires' fue publicado en 2005 y pasa por ser, para muchos de sus fans, uno de sus mejores discos. Destaca por las melodías, de lo más imaginativas y pegadizas, junto a unos textos realmente conmovedores. Entre mis cortes favoritos del disco: Sophia, I'm Learnin' to Breathe, Everybody's Gone to War, IdahoDamascus. Se da la circunstancia de que, para terminar la grabación del disco, tuvo que hipotecar su propia casa al ver que la discográfica no estaba dispuesta a soltar prenda para terminar la producción. Un gesto valiente por el que los amantes de la buena música le estaremos eternamente agradecidos. Muy, pero que muy recomendable. Lo malo es que este disco es realmente complicado encontrarlo en nuestro país. Pero no os desaniméis: se puede comprar a muy buen precio y sin gastos de envío en esta página donde podréis encontrar prácticamente la discografía completa de Nerina Pallot: www.hmv.es

Love of Lesbian - 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna): La banda catalana Love of Lesbian se marcó este pedazo de disco hace un par de años.... Y yo en la inopia más absoluta! No me había dado nunca por escucharles, y eso que veía su nombre aquí y allá. Afortunadamente, salí de mi ignorancia y hace unas semanas los busqué en Youtube; encontré este vídeo maravilloso de uno de los temazos del CD: Allí donde solíamos gritar. Huelga decir que me compré el disco al poco tiempo. Destacan la gran producción del disco, muy superior a la media, sin perder esa aureola 'indie' que tanto les define. Más temas excelentes: Cuestiones de familia, Club de Fans de John Boy, Segundo asalto, Incendios de nieve, 1999.... Sorpresón de los que gusta tener y que hace que no pierda la fe en la música que se hace aquí.


Ryan AdamsAshes & Fire: Recién publicado el último disco del gran Ryan Adams, se trata de un trabajo lento, maduro, con raíces. Destacan prácticamente todos los temas del disco: Dirty Rain, Ashes & Fire, Come Home, Chains of Love, Invisible Riverside.... Una joyita, la Novena Sinfonía de un músico prolífico y auténtico.

jueves, septiembre 23, 2010

Algunos discos importantes en mi vida (II): 'Rubber Soul' (1965) - The Beatles

Se suele dividir, a grandes rasgos, la vida artística y, por tanto, la obra discográfica de los Beatles en tres períodos, más o menos distinguibles:

  • El primero sería el que comprende sus comienzos en el show business en locales de alterne y garitos de mala muerte en Hamburgo, a finales de los 50, hasta el año 59-60 en que tuvieron que regresar precipitadamente tras descubrir las autoridades alemanas que George Harrison era menor de edad (con lo que no podía permanecer en Alemania como trabajador e inmigrante). Estos primeros Beatles serían, según John Lennon, los más valiosos en cuanto a aptitudes musicales. Como apenas queda constancia documental o fonográfica de aquel momento, excepto un disco que grabaron como grupo acompañante junto al cantante Toni Sheridan (entre otros temas, grabaron una trepidante versión de la popular My Bonnie), jamás podremos saber si Lennon tenía razón o no. Lo que sí es seguro es que durante aquel periodo de tiempo se curtieron lo suyo como banda (y quizá como seres humanos....).

  • El segundo periodo comenzaría con su desembarco en la discográfica EMI en el año 1962, como grupo rockero, más o menos light, imitador de Elvis, Roy Orbison, Eddie Cochran, Chuck Berry, etc., etc.. Este período finalizaría aproximadamente en el año 1965, con la publicación del disco Help, donde empezarían a encontrar su propio sonido y como consecuencia de ello, su propia voz.

  • Y el tercer periodo, quizá el más interesante desde el punto de vista creativo, musical y, como no, socio-cultural, sería el que se iniciaría con la publicación del disco Rubber Soul, también de 1965, hasta la disolución del grupo, cuatro años después.
Este LP no sólo marcaría la senda por la que discurriría la carrera artística posterior del cuarteto, sino que, además, serviría de inspiración e influencia notable para toda una generación de músicos que tomaron esta obra como la quintaesencia paradigmática de lo que debía ser un disco pop, verbigracia: la contestación de Brian Wilson a este disco fue nada más y nada menos, que el Pet Sounds de su banda, The Beach Boys, publicado en 1966 (que pasa por ser, siempre según los críticos y las enciclopedias clásicas de música moderna, el mejor disco de pop jamás publicado!). Brian Wilson siempre ha afirmado que cuando escuchó por primera vez Rubber Soul, le gustó tanto y le causó tal efecto, que su obsesión primera desde aquel momento fue componer el Disco de los Discos Pop. La verdad es que el bueno de Brian no tenía mal gusto.

    Rubber Soul es uno de los discos de los Fab Four más aclamados por sus fans, incluso varios puntos por encima del tan cacareado Sargent Pepper, publicado dos años después, en plena etapa de experimentación en el estudio por parte del grupo. A menudo es citado en las listas de mejores álbumes de rock de la historia.

    Con Rubber Soul el cuarteto de Liverpool comenzó a ordenar sus ideas, preocupándose más por el estilo y los arreglos de los temas (también comenzarían una cierta experimentación en el estudio que más tarde desarrollarían hasta niveles impensables en aquella época en la grabación del antes mencionado Sgt. Pepper) abandonando las versiones de otros músicos (Rubber... fue el primer disco del grupo en el que no se incluyó ningún cover de sus artistas favoritos: recordemos que desde el primer LP, el famoso Please, Please me, hasta Help, los Beatles siempre habían incluido en todos sus discos diversas versiones de sus héroes musicales; desde Chains, del combo Carole King/Gerry Goffin, incluida en el mencionado Please, Please me, hasta una versión del clásico country Act Naturally, cantada con cierta gracia desafinada por Ringo). El grupo, y su principal fuerza creativa, Lennon/McCartney, comenzó a escribir canciones y a grabarlas siguiendo conceptos estilísticos y temáticos que conformarían un todo, una idea central. El resultado final de esta manera de trabajar dio como resultado lo que a partir de aquel momento sería conocido en el mundo del pop-rock como álbum conceptual.

    El LP fue grabado en tan sólo cuatro semanas, siendo publicado en diciembre de 1965, para aprovechar el mercado navideño. Contiene joyas que son ya clásicos en el repertorio de la banda: Drive my car, Norwegian Wood (this bird has flown), en la que George Harrison tocaba el sitar (un instrumento folclórico hindú similar a una guitarra, aunque bastante más complejo de tocar), Nowhere man, Michelle, Girl, In my life... Se percibió un cambio en la temática de muchas de las canciones, abandonando, en parte, el asunto amoroso muy presente hasta entonces en los discos de la banda (And I love her, She loves you, All my loving, etc.). Los Beatles estaban madurando y sus intereses, como era natural, también. John, que probablemente fue el que más evolucionó en sus composiciones en este disco (suyas son, casi al 99%, las mencionadas Norwegian wood, Nowhere man, esta última, una velada crítica social, poco frecuente en canciones pop al uso en aquella época), incluso se permitía el lujo de escribir una canción de amor (In my life), pero desde una perspectiva más colectiva, de agradecimiento al entorno, familia y amigos, que habrían ayudado en el pasado para así poder decirle, ya en el presente, a su pareja que ella era la persona más importante en su vida.
    La portada es ya un icono del diseño del siglo XX, lo que hace aún más curiosa su concepción, puesto que los Beatles decidieron que querían ese efecto de ojo de pez, con el que sus rostros aparecen distorsionados, tras una presentación que les hizo su fotógrafo oficial por aquella época, Mr. Robert Freeman, donde, por accidente, la pantalla donde estaban proyectando fotografías para decidir cuál iría en la portada del album se cayó hacia atrás. El efecto de alargamiento de la imagen les gustó tanto que le pidieron al fotógrafo que les diseñara la portada del disco de esa manera. Por otra parte, el diseño de las letras utilizadas para escribir 'Rubber soul' (por cierto, ya eran tan famosos que no les hacía falta que apareciera 'The Beatles' en la portada...!) corrió a cargo de Charles Front, diseño que posteriormente sería imitado hasta la saciedad, como simbolo de modernidad en la época del Flower Power.
    En definitiva, un gran LP, totalmente atemporal, como prácticamente toda la obra de los Beatles, repleto de clásicos, que merece ser escuchado, si aún no lo has hecho ya, lo que sería una lástima.

    domingo, agosto 29, 2010

    Algunos discos importantes en mi vida (I): 'Born to run' (1975) - Bruce Springsteen

    Born to Run (1975) - Bruce Springsteen
    Corría el año 1975 y los Estados Unidos de América se despertaban de un sueño que había derivado en pesadilla: el escándalo Watergate, la guerra del Vietnam, que ya tocaba a su fin con un ejército norteamericano derrotado y hundido física y moralmente, la crisis del petróleo del 73... The dream is over, cantaba John Lennon en aquel disco que el ex-Beatle vomitó en el 70, 'Plastic Ono Band', a modo de confesión personal; sin embargo, al mismo tiempo, esas palabras también parecían trascender de lo particular a lo colectivo, puesto que premonizaban lo que se avecinaba en los 70. Todos aquellos que habían creído en el verano del amor, poniendo flores en las bocas de los cañones de los fusiles, veían cómo todo aquello de lo que habían hablado, filosofado y presumido se venía poco a poco abajo. Si los 60 habían sido todo felicidad, sexo, drogas y rock&roll, los 70 pintaban mal, muy mal... Los hippys se habían hecho adultos y ahora tocaba crecer, reinventarse, quizá trabajar y convertirse en un vulgar burgués...

    Con semejante maremagnum sociológico de trasfondo, Bruce Springsteen escribió su disco más celebrado y adorado por fans y no fans: 'Born to Run'. Tenía tan sólo 24 años (cuesta creerlo, ¿verdad?), aunque no era ni mucho menos un artista debutante: se había estado ganando la vida como músico desde finales de los 60 y ya contaba con dos discos a sus espaldas, dos trabajos -'Greetings from Asbury Park, NJ' (1971) y 'The Wild, the Innocent and the E Street Shuffle' (1973)- que habían pasado totalmente inadvertidos para el gran público, aunque, eso sí, con muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. El problema del joven Springsteen era que sus canciones eran demasiado largas para radiarlas en las FM; las letras eran abigarrados frescos que describían un extraño sub-universo repleto de seres insólitos, sacados directamente de la fauna y la flora que poblaban por aquel entonces Asbury Park, el ecosistema natural del músico en New Jersey, de donde era oriundo. Todo ello hacía que su música, su obra, no fuera especialmente bien acogida, hasta el momento, por el común de los mortales. La CBS, la discográfica con la que tenía contrato, le había promocionado como el Bob Dylan de los 70, el nuevo bardo que la sociedad americana necesitaba escuchar. La sociedad americana hizo oídos sordos, por supuesto; estaban a otros asuntos más importantes como, por ejemplo, sobrevivir. Y es que no era el momento de Bruce. Todavía....

    Cuando se enfrentó a la composición de 'Born to Run' sabía que aquella oportunidad, la 3ª, era probablemente la última que iba a tener para convertirse en una estrella. Si este disco no triunfaba, podía ir recogiendo los bártulos e irse con la música a otra parte porque la discográfica muy probablemente ya no le iba a dar más chance. Tendría que empezar de cero y, quizá, replantearse su futuro como músico. Pero lejos de arredrarse, tomó el toro por los cuernos y se sacó de la manga 8 canciones, como 8 cañonazos llenos de rabia, que pasarían a formar parte de su repertorio más amado. Para ello, el joven Springsteen se encerró en su casita próxima a la calle E, y con la ayuda de un viejo piano se dedicó a rellenar toneladas de cuadernos, reescribiendo las letras de las canciones una y otra vez, de manera obsesivamente perfeccionista.

    Sin embargo, el proceso de parto de los temas no acabó ahí: según parece, en las sesiones de grabación del disco, Bruce torturó a su E Street Band con decenas de takes buscando el 'más difícil todavía', el sonido perfecto. En cuanto los músicos terminaban de grabar un tema se podía oír a Springsteen a través de los auriculares pronunciar las temidas palabras: 'Otra vez'. Bruce Springsteen era un joven muy exigente y si se trataba de su obra mucho más. Las labores de producción corrieron a cargo del propio Springsteen, el crítico musical Jon Landau, amigo personal del músico y que, con el tiempo, acabaría convirtiéndose en una gran influencia artística y en su productor habitual, y Mike Appel, hasta ese momento manager del músico y que también había producido los dos primeros discos de Bruce. Appel asumió las tareas de producción no sin algunos problemas, debido quizá a ese reparto de papeles entre 3 personas tan diferentes. Posteriormente la relación de Springsteen con Appel se vio resentida debido a una amarga contienda legal por la obra del músico que se prolongaría hasta 1978.

    Los músicos que participaron en el disco ya habían colaborado con Springsteen en sus dos primeros LPs. Otros músicos se incorporaron en aquel momento para no irse jamás, convirtiéndose en imprescindibles: Max Weinberg, el magnífico batería de la formación, o Roy Bittan, excelente pianista, que supo reflejar e interpretar las ideas de Springsteen como nadie, sin ir más lejos. La gran mayoría de ellos conformaban lo que sería luego el núcleo duro de su mítica E Street Band: Garry Tallent al bajo, Danny Federici a los teclados, acordeón y algunos vientos, Clarence (Big Man) Clemmons al saxo, Steve van Zandt (Little Steve) a las guitarras... Los músicos David Sancious (magnífico organista) y Ernest Carter (excelente batería de influencias jazzeras) participaron en la grabación de algunos temas como el mítico 'Born to Run' que daba nombre al disco.

    Finalmente, 'Born to Run' fue publicado el 25 de agosto de 1975 y fue aclamado por entonces como el mejor album de Springsteen, con un magnífico éxito de ventas (alcanzó el nº 3 de álbumes más vendidos y estuvo 2 años entre los 100 discos más vendidos). Supuso la consagración de Bruce y dejó bien a las claras qué clase de músico era, qué venía a hacer y a contar y lo que se proponía a partir de ese momento. El sonido de 'Born to Run' marcaría sin lugar a dudas el estilo del músico en los años venideros.

    En la magnífica reedición del disco que se publicó en 2005, Born To Run 30th Anniversary Boxset, para conmemorar el 30 aniversario del mismo, hay un estupendo reportaje, 'Wings For Wheels', en el que se citan multitud de anécdotas sobre la composición y grabación de las canciones. A mí, como escritor de canciones en ciernes, quizá lo que más me llama la atención sea el hecho de que Bruce compusiera todas las canciones al piano, lo que da a los temas un aire distinto a si se hubieran compuesto con la guitarra (de hecho, todas las canciones comenzaban con una pequeña introducción, como una fanfarria que ponía en alerta al oyente sobre lo que venía a continuación).

    Descubrí este disco gracias a un buen amigo. Curiosamente, yo llevaba años escuchando otros discos de Springsteen, pero nunca me había acercado a este 'Born to Run'. Huelga decir que cuando lo escuché por primera vez, me di cuenta enseguida de lo que me había estaba perdiendo hasta entonces y de que estaba asistiendo a algo realmente grande, la Master piece de un músico en estado de gracia. Como anécdota contaré que yo por aquel entonces estaba dando mis primeros pasos a la guitarra. Mi amigo tenía un libro con tablaturas de las canciones de Springsteen; me lo fotocopié enterito, pero las canciones que primero me aprendí fueron las del 'Born to Run'. Durante algún tiempo, para practicar a la guitarra yo tocaba las canciones del disco, me lo sabía entero, de cabo a rabo, palabra por palabra, acorde tras acorde. Tal era la impresión que me había causado.

    ¿Canciones favoritas? Difícil escoger una... Thunder Road es preciosa, romántica, llena de amargura, pero también de optimismo; Tenth Avenue Freeze Out tiene una sección de viento y un ritmo de guitarra que me vuelven loco; Night es endiablada, proteica, enérgica, emocionante (ésta me encanta tocarla a la guitarra); Backstreets me hacía casi llorar, era como ese despertar del que hablabla al principio de esta entrada, el despertar de un bonito sueño para darse de bruces con la amarga realidad; Born to Run... ¿qué decir de este tema? Fue escogido hace unos años como el tema más perfecto de Rock jamás compuesto y grabado; She's the one, una canción de amor, pero también de pasión lujuriosa; Meeting Across the River, hipnótica puesta en escena de un trapicheo chungo entre dos yonkis y un posible negocio de drogas que podría retirarles de por vida (o de la vida, si las cosas salieran mal...); Jungleland, épica, brutal, con uno de los solos de saxofón más espectacular que jamás se hayan escuchado en un disco de Rock.

    'Born to Run' es el DISCO con mayúsculas de Bruce Springsteen, la obra que le puso en su lugar, el lugar que merecía y en el que aún permanece después de tantos años. Es también el disco de muchísima gente en el mundo: muchos se han hecho fans incondicionales de Springsteen gracias a este puñado de canciones. En mi caso personal, tan sólo diré que si tuviera que elegir un solo disco para irme a una isla desierta, seguramente escogería éste. Me ha acompañado durante años, en cientos de aventuras y en cientos de lugares, en compañía o a solas. Tiene tanta fuerza que es casi imposible no emocionarse ante su descubrimiento. Si aún no lo has escuchado, tienes suerte de poder disfrutarlo y gozarlo por primera vez. Te animo a que lo descubras tú también: seguro que no te decepciona.

    jueves, julio 29, 2010

    The Swell Season o cómo hacerse archi-famoso gracias a una película independiente

    Últimamente he estado muy enganchado a un dúo llamado The Swell Season. Formado por el músico irlandés Glen Hansard (voz, guitarras) y la multiinstrumentista checa Marketa Irglova (voz, piano, guitarra), se dieron a conocer mundialmente a través de la estupenda película Once (2007) dirigida por John Carney.

    Cartel de la película Once

    Antes de actuar en Once estos músicos (y actores ocasionales), ya habían colaborado previamente en un disco con piezas intimistas, de corte acústico y absolutamente delicioso titulado homónimamente, The Swell Season (2006).
    Portada del primer CD de The Swell Season
    Por su parte, Glen Hansard (Dublín, 1970) es el líder de la banda de pop-rock The Frames muy popular en Irlanda.

    Glen Hansard

    The Frames y Glen Hansard (centro) cantante, guitarrista y compositor de la banda
    Marketa Irglova (Valašské Meziříčí, 1988) tan sólo tenía 17 añitos cuando actuó en la película. Auténtica niña prodigio, ella y Hansard se conocieron durante una gira de The Frames en la República Checa, cuando Irglova ya ofrecía recitales de piano a la tierna edad de 14 años.

    Marketa Irglova
    Como anécdota, se da la circunstancia de que el director de la peli, John Carney, se encontró de repente, durante el proceso de pre-producción, sin actor protagonista. Carney, antes de dedicarse a esto del cine, fue bajista de The Frames, la banda de Hansard, en la primera época del grupo (1990-1992). Cuando escribió el guión de la película pidió a su antiguo compañero de correrías musicales que le sugiriera alguna actriz para protagonizar el papel femenino protagonista de la película. Hansard ya conocía a Irglova de su colaboración en el disco The Swell Season. Ella no era actriz, pero sí músico y además excelente. Su juventud y extraña belleza la hacían ideal para el papel, con lo que la elección fue rápida. El problema fue que el actor inicialmente escogido para protagonizar la película, un tal Murphy, se negó a actuar con la debutante Irglova, con lo que Carney finalmente acabó pidiéndole a Glen Hansard que se uniera al proyecto, protagonizando éste el papel masculino protagonista. Lo que comenzó como una historia pequeña y sin apenas presupuesto se convirtió en el bombazo del año, uno de esos sleepers que cada temporada obtiene éxito gracias al boca a oreja de los espectadores. La historia era sencilla, pero enganchaba: un músico callejero abandonado por su novia y una chica que vende flores en la calle Grafton de Dublín y que en sus ratos libres toca el piano en una tienda de instrumentos musicales, se conocen por casualidad. Descubren que son dos almas rotas a las que la música les une y les mantiene a flote. No contaré más.

    Fotograma de Once
    La película fue nominada aquel año a los Oscar de la Academia, ganando el de mejor canción, Falling Slowly.

    La banda sonora, a su vez, fue un auténtico éxito. En ella se incluyeron alguna de las canciones que el dúo previamente había grabado en el CD The Swell Season. Canciones estupendas, sencillas, directas al corazón.

    Los personajes de Hansard e Irglova tenían una curiosa y conmovedora no-historia de amor en el film, que sí se materializó posteriormente en la vida real. Pero todo lo bueno se acaba y, según parece, actualmente ya no son pareja, limitándose su unión a lo estrictamente profesional. El segundo disco del dúo, y hasta la fecha último publicado que, en cierta manera, narra su desamor, se titula Strict Joy (2009). Este trabajo revela un cambio de estilo hacia matices más souleros, más van morrisonianos, sobre todo en el single Low Rising, aunque sin perder la esencia de su primer trabajo: canciones delicadas, acústicas, melancólicas:


    Portada del segundo CD de The Swell Seaon: Strict Joy publicado a finales de 2009
    Destacan de este CD los cortes Low Rising, antes mencionado, un medio-tiempo con bonitos metales y buen trabajo vocal de Hansard, la delicada Fantasy Man, cantada por Irglova, y las preciosas baladas Maybe I Was Born to Hold You in These Arms y Back Broke.

    En definitiva, un dúo muy a tener en cuenta y del que espero que sus desavenencias amorosas no nos priven de más trabajos discográficos.

    Actualmente están de gira por todo el mundo y han anunciado fechas en España para el próximo otoño.

    miércoles, julio 28, 2010

    Una sugerencia que en realidad son tres

    El comentario más escuchado últimamente suele ser que hoy en día el estado general de la música comercial en España deja bastante que desear. No sé si será porque siempre nos parece que cualquier tiempo pasado fue mejor, el caso es que, particularmente, yo sí tengo esa sensación de que el nivel de exigencia de la gente ha decaído bastante en cuanto a la calidad de la música comercial que se escucha en nuestros días en España. Un rápido vistazo a las listas de lo más escuchado (ya ni siquiera me meteré con lo más vendido, puesto que por lo que parece, en España ya nadie compra discos, excepto un servidor y algún amigo más...) puede darnos una idea sobre ello... Pero no hagamos sangre, hoy traigo tres recomendaciones, muy personales, eso sí, sobre artistas españoles que han publicado sus discos en el último año. Se trata de los últimos CDs publicados de dos artistas consagrados y el de una futura promesa que ha entrado fuerte en el panorama musical español.

    Quique González - Daiquiri Blues
     1.- Quique González - Daiquiri Blues. Publicado en octubre de 2009, el último trabajo de Quique González es, en la modesta opinión del que escribe, probablemente uno de los grandes discos de la década en España y, sin duda, el mejor del músico madrileño afincado en Cantabria. Grabado en Nashville, la cuna del country, con grandes músicos como Al Perkins (leyenda viva del pedal steel guitar, cuyas colaboraciones incluyen astros como Gram Parsons, Rolling Stones, Bob Dylan, etc. Casi nada....) y con la exquisita producción de Brad Jones, el disco no tiene desperdicio desde que suena el primer pellizco de guitarra acústica en el primer corte, el que da nombre al disco, hasta el último acorde de piano del cover final dedicado a José Ignacio Lapido y su grandísimo tema Algo me aleja de ti. Una joyita que si tienes un mínimo de gusto musical, sabrás apreciar. Ahí va un pequeño ejemplo de ello: Su día libre, uno de los grandes temas incluidos en el disco.

    2.- Mikel Erentxun - Detalle del miedo. Puede que a alguno le sorprenda esta sugerencia, pero, sí, amigos, el Mikel Erentxun actual no tiene nada que ver con aquel jovenzuelo que volvía loquitas a las niñas en los 80 con los míticos, y para algunos, lo sé, algo pesaditos, Duncan Dhu. Y es que el músico donostiarra, que ya cuenta con 44 añazos en su haber, ha decidido en los últimos tiempos dar un giro bastante radical y arriesgado a su carrera y el resultado es este Detalle del miedo, publicado en marzo del presente año. El disco, con una portada bellísima que muestra una chimenea de un edificio en Londres, la ciudad favorita del músico, no es precisamente fácil de escuchar, alejándose bastante de los cánones y el estilo ofrecido en trabajos anteriores. Casi todos los temas rondan los 5-6 minutos de extensión, ofreciendo letras inspiradas, bonitos arreglos de cuerdas y vientos y una manera de grabar que ya no se estila demasiado: el disco fue grabado enteramente en analógico, como se hacía antaño. Con un formato casi en su totalidad acústico, no es quizá, un trabajo redondo al 100 %, puesto que en ciertos momentos sufre caídas un tanto reiterativas, bastante acusadas, que pueden hacer que el disco se resienta en las reescuchas. Sin embargo, considero que el Sr. Erentxun ha arriesgado mucho con la publicación de estas canciones, ofreciendo un retrato maduro y sensible sobre el paso del tiempo, las relaciones de pareja y la búsqueda del yo verdadero. Muy recomendable. En el enlace uno de los temas que más me gustan de este trabajo: El mejor de mis días

    Vicky Gastelo - En el fondo de los mares
    3.- Vicky Gastelo - En el fondo de los mares. Sorpresón surgido del universo que rodea a Quique González. Vicky Gastelo, cantautora cántabra, colega del músico madrileño, sorprendía a propios y extraños con este gran trabajo de letras deslumbrantes y delicados arreglos. En la producción el gran Carlos Raya, guitarrista de M-Clan, Fito, etc. La voz de Gastelo es probablemente una de las más expresivas que he podido escuchar últimamente. Hecho que puede comprobarse en temas como En el fondo de los mares, Sinceramente tuya, Me equivoqué contigo o Será. De formación clásica, de pequeña pidió un piano y le regalaron una guitarra. Bueno, la verdad es que nos da lo mismo que haya salido más a Joni Mitchell que a Carole King. El caso es que esta chica promete convertirse en una de las grandes autoras de este país. Este trabajo así lo atestigua. En el enlace, el primer single del CD, Será